Vol.184_Naomi Gilon
Naomi Gilon
From Brussels, Belgium
Interviewed by Sarka Fenclova
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회화를 전공했지만 지금은 세라믹과 패션 작업을 하고 있어요. 두 분야에 관심을 갖게 된 계기가 무엇인가요?
저는 창의성을 키울 수 있는 환경에서 자랐고 브뤼셀의 La Cambre(ENSAV)에서 회화를 전공했죠. 처음엔, 캔버스에 그렸지만 이후, 회화가 꼭 평면에 제한되지 않아도 된다는 것을 깨달았어요. 자동차 문화와 미술을 접목하기 시작하며, 설치 작품에 차체를 결합하기 위한 방법으로 자경성 점토를 사용해 다리를 만들었습니다. 제게 있어 창작은 남들에게 가장 정확하게 나를 표현하는 방법이에요. 자연스럽고 치유받는 것 같아요. 미술과 창작자들에 관심이 많아요. 수 세기 동안 인간이 스스로를 재개발해 온 것이 희망의 큰 원천이라고 생각합니다.
You majored in painting and you currently work with ceramics and fashion. How did you get interested in these fields?
I grew up in an environment where creativity was encouraged. I majored in painting at La Cambre (ENSAV) in Brussels. At first, I painted on stretchers but later realized that painting doesn’t have to be constrained to 2D. I began an artistic dialogue with car culture and started using ceramics as a way to incorporate (car) bodies in my installations, making self-hardening clay legs to hold them. Creation is a way for me to express myself most accurately to others. It feels natural and therapeutic. I have a deep fascination for art and creators. I think the way humans have reinvented themselves over the centuries is a great source of hope.
작품엔 발톱과 털 같은 기괴하고 생물적인 요소들이 포함되어 있어요. 이런 시각 언어를 어떻게 찾아냈나요?
전통적인 면 캔버스를 떠나 차체에 그림을 그리기 시작한 순간이 제 미술적 접근의 기조가 되었습니다. 자연스럽게, 자동차 개조에 사용되는 에어브러쉬 기술에 관심을 갖게 되었죠. 현업의 사람들을 만나고 기술적 과정을 이해하기 위해 차고로 향했어요. 자동차 튜닝 모임에도 참석했구요. 제 작품 속 발톱과 생물적 요소들은 자동차 튜닝에서 영감을 받았어요. 자동차는 매끄럽고 반짝이는 겉모습 속에 몹시 관능적인 면을 가진 맹수의 의인화된 모습이에요. 저의 세라믹 작품은 공포와 장엄 사이의 긴장감을 반영합니다.
Your work features grotesque and creature-like elements like claws and fur. How did you develop this visual language?
The moment when I abandoned the traditional cotton canvas and started painting on car bodies became the foundation of my artistic approach. Instinctively, I became interested in applying the airbrush technique used in car tuning to painting. I started going to garages to meet the people who worked there and try to understand the technical process. I also went to tuning meetings. Tuning was the initial reference point for the paws and creature-like elements in my work. A car is an anthropomorphic form of an animal, a roaring beast that also has a very sensual side in its smooth and shiny surfaces. My ceramics reflect this tension between terror and the sublime.
처음엔 설치와 조형 작품에 집중했었죠. 언제부터 작품에 패션을 접목하기 시작했나요?
액세서리를 만드는 것은 작품을 다른 관점으로 보는 방식이기 때문에 언제나 매력적이었어요. 처음엔 <Pas Courant (Not Current/Step Running)>라는 신발 조형 시리즈를 제작해 필수품으로서의 의미와 진화에 주목했어요. 기능성 있는 아이템이 아닌 그저 조형 작품이나 상징적인 의미를 가진 물건으로 봤어요. 하지만 점점 미술과 패션 영역에 존재하는 물건이 가질 수 있는 모호성에 대해 다루기 시작했어요. 두 영역 사이를 오가며 작품의 세속화에 도전하는 것으로 더 많은 사람들이 공감할 수 있는 대중문화에 화두를 던지고 있어요.
You initially focused more on installation and sculpture. When did you start incorporating fashion in your work?
The idea of making accessories has always appealed to me because it's a way of seeing an art object differently. At first, I made a series of shoe sculptures Pas Courant (Not Current/Step Running), which looked at the evolution and meaning of this essential object. The logical next step was the bag. At first, I saw my works simply as sculptures or ceremonial objects, not functional. But gradually, I started playing with the ambiguity an object can have in the realms of art and fashion. One of the challenges of my work is to navigate between the two and desacralise the work in order to create a dialogue with popular culture, which speaks to a greater number of people.
세라믹 핸드백 시리즈는 럭셔리와 우리가 패션을 소비하는 방식에 대해 다룬 연작이에요. 어떤 의미를 가지고 있는지.
가방은 일상의 평범한 부분이지만, 동시에 주인의 사회적 지위를 반영하며 ‘그 안에 뭐 있어?’라는 질문을 불러일으킵니다. 우리와 소비의 관계성에 대한 질문으로 이어지죠. 들고 다닐 수 있지만 매우 연약한 작업물을 만들면 재미있을 것 같았어요. 고급 미술로서 조형물의 관조적인 상태로부터 스스로를 해방시킨 반항적인 의미를 가진 작품입니다. 제 세계관과 맞게 작고 휴대 가능한 괴물들을 만들었어요. 보통 상상이나 인터넷으로부터 영감을 많이 받지만 얼마 전에 마크 제이콥스(Marc Jacobs)와 협업해 브랜드의 아이코닉한 제품을 제 방식으로 재해석한 작업도 했어요.
Your series of ceramic handbags seems to toy with the concept of luxury and the way we consume fashion. What is the meaning behind it?
A bag is a seemingly banal part of our daily life but it also reflects one’s social status and invites the question, ‘What’s hidden in there?’ It raises questions about our relationship to consumption. I was intrigued to create works that are mobile because they can be carried but at the same time very fragile. These rebellious pieces have emancipated themselves from the contemplative status of sculpture as high art. I brought them into my universe, creating small portable monsters. Usually, I get inspired by my imagination or the internet but I also did a collaboration with Marc Jacobs, recreating their iconic models in my style.
코펜하겐 기반의 패션 브랜드 한 코펜하겐(Han Kjøbenhavn)과 협업도 인상적인데 어떻게 함께 작업하게 되었나요?
제 첫 가방 조형을 인스타그램에 올렸을 때 미디어에서 폭발적인 반응이 있었어요. 그때 한 코펜하겐(Han Kjøbenhavn)의 아티스틱 디렉터 야닉 비켈소 데이비드슨(Jannik Wikkelsø Davidsen)에게 연락이 왔는데 22SS 컬렉션을 위한 협업을 제안해주셨어요. 야닉이 생각하는 컬렉션의 방향성이 담긴 스케치를 보내주셨고 제가 원형을 만들고 코펜하겐으로 보냈죠. 안타깝게도 브뤼셀에 일이 있었기 때문에 대면으로 작업할 수 없었지만 결과물이 너무 만족스러웠어요. 다른 창작자들과의 협업을 통해 활기를 되찾는 것 같아요.
You have also collaborated with the Copenhagen-based fashion brand Han Kjøbenhavn. How did you start working together?
After posting my first bag sculpture on Instagram and the ensuing media explosion, I received a message from Jannik Wikkelsø Davidsen, the artistic director of Han Kjøbenhavn, who suggested a collaboration on a few pieces for their SS ‘22 collection. He sent me sketches of what he had in mind for the collection, I made the prototypes and sent them to Copenhagen. Unfortunately, I didn’t have the opportunity to work with him in person due to my commitments in Brussels, but the result was wonderful. I find collaborations with other creators revitalizing.
아티스트로서 롤 모델이 있나요?
학창 시절, 벨기에 조각가 자비에 마리(Xavier Mary)의 작품을 존경했어요. 그 후, 브뤼셀에서 개최된 제니시스 빌랑제(Genesis Belanger)의 전시를 보고 도예에 관심이 많아졌어요. 그 외에도 소피아 케레스테스(Zsófia Keresztes), 한나 리바이(Hannah Levy), 파비앙 베르그마크 나아아스만(Fabian Bergmark Näsman)의 조형과 설치 작품, 그리고 장르를 초월한 글렌 마틴 테일러(Glen Martin Taylor)의 작업도 정말 좋아해요.
Who is your role model as an artist?
During my student days, I admired the work of the Belgian sculptor Xavier Mary. Then an exhibition of Genesis Belanger in Brussels sparked my fascination for ceramics. I also love sculptures and installations by Zsófia Keresztes, Hannah Levy, and Fabian Bergmark Näsman, as well as the hybrid objects created by Glen Martin Taylor.
작업에서 어떤 주제를 탐구하고 있나요?
제 작업을 관통하는 한 가지의 주제는 대중문화예요. 공상과학, 공포, 유혈 낭자한 영화나 문학, 또한 일본 만화, 신화, 록스타들, 자동차 튜닝 등에 관심 있어요. 제임스 그레이엄 발라드(J. G. Ballard)의 소설 <크래쉬(Crash)>부터 리들리 스콧(Ridley Scott)의 1982년작 <블레이드 러너(Blade Runner)>와 일본 만화 세일러 문, 베르세르크 등을 특히 참고해요. 사회의 목록 같은 작품들이죠. 제가 만든 괴물들은 제가 살면서 세상에 대해 느낀 점을 반영한 비현실적인 작품들입니다. 괴물의 관념이 가지고 있는 낭만적이고 음울한 부분에 관심이 많아요. 괴물은 당당히 기존의 조화를 어지럽히고 영웅에게 맞서죠.
What are some of the main themes you explore as an artist?
One theme that runs through my work is popular culture. I’m interested in sci-fi, horror, and gore cinema and literature, as well as manga, mythology, rockstars, and car tuning. My references range from J. G. Ballard’s novel Crash to Ridley Scott’s 1982 Blade Runner and the manga series Sailor Moon and Berserk. Through these sources, I make an inventory of our society. The monsters I create are chimerical reflections of what I perceive of the world in which we live. I really like the romantic and melancholic qualities in the image of the monster. A monster stands out, disturbs a pre-existing harmony, and often opposes a hero.
최애의 공포영화는?
다리오 아르젠토(Dario Argento)의 <서스피리아(Suspiria)> 혹은 로만 폴란스키(Roman Polanski)의 <악마의 씨(Rosemary’s Baby)>.
What’s your horror movie of choice?
Suspiria by Dario Argento or Rosemary’s Baby by Roman Polanski.
미술적인 비전을 지키면서 상품을 제작하는 과정에서 중심을 어떻게 찾나요?
미술에 대한 엘리트주의적 접근을 지양하고 유니크한 한정판 작품을 합리적인 가격에 제공하려고 노력해요. 매우 이상주의적인 말이지만 희망이 우리를 살아가게 하지 않나요? 대량으로 생산하는 제품은 대부분 개인 프로젝트나 전시를 위해 제작한 작품들의 새 버전이에요. 예를 들어 스케치를 입힌 티셔츠나 작품의 원형을 스캔한 후 3D 인쇄를 해 액세서리를 만드는 등 더 많은 사람들이 제 작품을 구매할 수 있도록 노력하고 있어요. 갤러리를 통해 판매하기보다 제 작품을 좋아하는 전 세계의 사람들이 접근할 수 있게 온라인스토어를 직접 운영하고 있어요. 온라인스토어를 위한 프로젝트를 준비하는 과정은 전시를 준비하는 과정과 비슷해요.
How do you navigate the balance of creating a product while staying true to your artistic vision?
I try to distance myself from an elitist approach to art and offer unique, limited-edition pieces at a more affordable price point. I realise that sounds very utopian but hope keeps us alive, right? Generally, the pieces I produce in greater numbers are iterations of works that were part of a personal project or an exhibition. I try to make them more accessible by, for example, releasing T-shirts with my sketches or scanning a ceramic prototype and making 3D-printed jewellery. Rather than selling through a gallery, I run my own online store, which gives access to anyone in the world who appreciates my work. I develop the projects for my online store in the same way I would develop an exhibition.
최근에 가장 사로잡혀 있는 것은?
한동안 린킨 파크(Linkin Park)의 음악에 빠져있었어요. 최근 향수를 불러일으키는 그들의 음악을 들으면서 작업했어요. 소재를 다루는 방식에 있어서는 중세 미학의 영향도 많이 받아요.
What have you been obsessed with recently?
I’ve gone through a phase of musical obsession with Linkin Park. I listened to their nostalgic playlist when I was creating my recent works. I’ve also been influenced a lot by medieval aesthetics, especially in the way I approach materials.
앞으로 흥미로운 기획들이 있나요?
올해 하반기에 흥미로운 협업이 몇 건 있어요. 브뤼셀의 네일 아티스트와 협업했고 10월 말에 브뤼셀에서 개최될 전시에서 작품을 공개할 예정이에요. 그리고 벨기에 브랜드 레오 오피셜(Léo Official)과 함께 만든 한정판 아이템도 11월에 출시될 예정입니다.
Do you have any exciting projects coming up you’d like to share?
I have several exciting collaborations planned for the latter half of 2023. I collaborated with a nail artist from Brussels and our work will be unveiled during an exhibition here in Brussels at the end of October. I also created limited-edition fashion pieces with the Belgian brand Léo Official, scheduled to launch in November.
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